El Arte Trágico

Sobre la vocación

2011-06-15T23:02:00.000-07:00

En toda reflexión sobre un medio cualquiera que sé elija como expresión artística debe de plantearse una cuestión fundamental y primigenia: ¿Por qué vamos a dedicarnos a determinada disciplina y que esperamos a cambio de esa dedicación?
Cuando en ocasiones he tenido la oportunidad de conversar con un autor incipiente que me parecía interesante, he formulado estas cuestiones por pura curiosidad. Las respuestas siempre fueron parecidas salvo algunas matizaciones. La gran mayoría tenían la esperanza de poder vivir de su arte, otros, los más idealistas, anteponían el éxito, el reconocimiento, la fama para terminar con el deseo fervoroso de también poder vivir de su facultad. Pero curiosamente, escasos han sido los pretendían hacer arte por el puro placer de hacerlo, sin esperar nada a cambio, o sea, hacer arte a fondo perdido.
Esta necesidad absoluta de una dimensión pragmática que subyace en todo lo que hacemos, influenciada o impuesta por la propia estructura social y que en principio parece licito y humano, en arte también puede resultar una trampa.
Muy pocos son los artistas que he conocido que al margen de las concesiones que el mundo pueda otorgarles, sientan la plenitud y el deleite por el hacer cotidiano, de ahí, el abandono de unos y las frustraciones de otros cuando sus motivaciones se ven truncadas por no ser alcanzadas las cotas, que erróneamente, ellos mismos se marcaron.
A los que ahora vais a comenzar por este peculiar camino quiero deciros que a lo largo de la vida somos atrapados y desgarrados por diversas trampas, y el arte puede ser una de ellas, algunos artistas tienden a plasmar aquello que complace o complació al público anteriormente, escuchan elogios y se los creen, pero en realidad solo existe un juez definitivo de un artista, y es el propio artista.
Cuando este se deja seducir por los críticos, editores, galeristas, directores de museos y el público en general está acabado, y desde luego, cuando se deja llevar por su fama y fortuna, puedes dejarlo flotar rio abajo con la mierda de los vertederos que no se notará que va entre los detritus.
Si vas a intentar dedicarte al arte, llega hasta el final, asegúrate con frialdad que tienes cualidades, de lo contrario no empieces siquiera, tal vez suponga perder novias, esposa, familia, trabajo y hasta la cabeza, tal vez suponga no comer ni dormir durante varios días, tal vez suponga humillación, desprestigio, desdén y el aislamiento. Pero el aislamiento es el premio, todo lo demás es para poner a prueba tu resistencia, tus autenticas ganas de hacerlo y el convencimiento de lo que haces. A pesar del rechazo y de las ínfimas probabilidades será mejor que cualquier otra cosa que pudieras imaginar.
Si vas a intentarlo llega hasta el final porque no existe una sensación igual, estarás solo con los dioses y las noches arderán en llamas, llevarás las riendas de la vida y llegarás a la autentica armonía y a la risa perfecta. En realidad es por lo único que merece la pena luchar y nunca olvides que para permanecer fuera de los circuitos oficiales del arte, precisamente hay que ser un gran artista.

JAM Montoya

Otra vida rota

2011-05-30T09:28:00.000-07:00

Cuando alguna vez se me ha preguntado el por qué de mi decepción con la vida, de ese pesimismo que la mayor parte de las veces me invade, no sé muy bien que contestar, es complicado transmitir algo que está dentro de lo sensorial. Con el tiempo vas acumulando experiencias y a poco que seas sensible, las circunstancias de la gente que tienes más cercana van impregnando tu mundo y, el hecho de vivir las tuyas propias, de tener la plena conciencia de esta “merienda de negros” en la que estamos inmersos, te va condicionando hacia cierta actitud de desencanto que puede llegar a toda una tragedia personal.
La gente que como yo nos dedicamos al arte de manera vocacional, tenemos una gran suerte, al menos exorcizamos nuestro dolor y este arte, que no es otra cosa que una terapia de vida, alivia y, en ocasiones, permite ciertos destellos de felicidad.
En una entrevista que leí hace bastante tiempo, decía el escultor Oteiza que el accedía al arte para curarse, para curarse de ese sentimiento trágico de la vida y, a través del arte, se quedaba sin escultura solo con sus manos. Ese es, precisamente, el poder del arte, la droga, lo que engancha, entrar en otro mundo para poder escapar de este que no nos gusta. Pero quedarse con sus manos como decía Oteiza es muy significativo y lógico, para un escultor sus manos lo son todo, igual que para un músico.
Mi amigo también es escultor, un gran escultor, o mejor dicho, hasta ahora lo había sido y además un verdadero artista, humilde, de pocas palabras, como casi todas las personas sabias. Vivía por y para su trabajo, austero hasta la exageración en lo material porque su espíritu era grande. Alejado del mundo, lo único que le quedaba era su arte que le permitía suspirar de vez en cuando.
Hoy he ido a verlo nuevamente al hospital y ha sido muy duro porque además hemos podido hablar. Ha perdido su mano derecha por la mitad del antebrazo en un accidente de carretera. Mi corazón está roto y en la soledad de mi casa no puedo llorar más.
No soy escritor y a duras penas me defiendo para mis asuntos, quizás no tenga la capacidad de poderos transmitir, en toda su magnitud, el dolor de mí amigo y el mío propio, por eso, me permito la licencia de recurrir a un fragmento de Los Heraldos Negros de Cesar Vallejo:

Hay golpes en la vida, tan fuertes…¡ Yo no sé!
Golpes como del odio de Dios; como si ante ellos,
La resaca de todo lo sufrido se empozara en el alma…¡ Yo no sé!
Son pocos; pero son…Abren zanjas oscuras
en el rostro más fiero y en el lomo más fuerte.
Serán tal vez los potros de bárbaros Atilas;
o los heraldos negros que nos mandan la Muerte.
Son las caídas hondas de los Cristos del Alma
De alguna fe adorable que el Destino blasfema……..

Los que me conocen saben que yo no soy católico pero tampoco un ateo al uso, en realidad, nunca he tenido muy claro lo que soy; pero por si acaso: maldigo el nombre de Dios una y mil veces.
JAM Montoya

On Time de JAM Montoya

2011-05-23T20:07:00.000-07:00

ON TIME

El paso de la luz solar a las tinieblas nocturnas ha sido a menudo utilizado como símbolo de reflexión o como alegoría al paso del tiempo. También ha sido una manera de representar emociones y sentimientos muy intensos como la nostalgia, el amor…etc.
Los pintores románticos utilizaron los cielos dramáticos encendidos, para acentuar el valor emotivo de la escena representada. Puede ser, por tanto, una manera de representar la grandeza de la vida como un símbolo trágico del destino.
En este caso, la dramatización de la escena, la atmósfera y personajes es la metáfora de un concepto de dualidades, de opuestos y complementarios, de lo auténtico y lo banal. Es un mundo frio, distante y egoísta donde la comunicación verdadera no existe.
Cada cual va a sus asuntos absortos en su problemática, ignorando e incluso arrasando con todo lo que se interpone en su camino, la cuestión es conseguir unos objetivos que generalmente son de tipo económico o vanidosos. Se suele hablar de lo superfluo, de lo nimio y el guardar las apariencias, la actitud hipócrita, es la tónica generalizada.
La luz también ha sido, tradicionalmente, la representación del conocimiento, de la sabiduría verdadera que es otra cosa muy diferente de la cultura, del conocimiento adquirido en los libros o en la universidad…etc.
Aún en esta sociedad, competitiva y vanidosa, existen personas que se interesan por la luz, por su perfección, por crecer interiormente como individuos y llegar a una plena conciencia y aceptación del discurso vital en una búsqueda de la armonía interior, del sosiego que nos va a permitir un estado superior de conciencia y algo más de felicidad.
La desnudez de algunos personajes no es otra cosa que una representación simbólica de nuestra disposición en la vida, disposición de resistencia y rebeldía a la manipulación y a los convencionalismos sociales. Es una actitud de sinceridad y aceptación de nuestras imperfecciones. Solo se llega a la sabiduría desde la humildad.

“La máxima creación consiste en convertir lo ordinario en extraordinario y lo extraordinario es ser capaz de sentarse en la cúpula de uno mismo.”
PAI-CHANG

Sobre la tragedia

2011-05-19T02:17:00.000-07:00

©La libertad de Jam Montoya

Las masas corrompidas por una falsa cultura pueden sentir en el destino que les abruma el peso del drama; se complacen en el despliegue del drama, e impulsan este sentimiento hasta poner drama en cada uno de los pequeños incidentes de la vida. Aman en el drama la ocasión de desbordar un egoísmo que permite apiadarse indefinidamente de las más pequeñas particularidades de su propia infelicidad, de bordar de patetismo la existencia de una injusticia superior, lo que aparta muy oportunamente toda responsabilidad.
Pero aquí debemos definir la cultura no como el esfuerzo de adquisición de un saber más grande, ni siquiera como el mantenimiento ferviente de un patrimonio espiritual, sino sobre todo, según Nietzsche, como “la unidad del estilo artístico en todas las manifestaciones vitales de un pueblo”.
Así, comprenderemos que en las grandes épocas trágicas, el esfuerzo de los genios y del público se ocupaba no tanto del enriquecimiento de los conocimientos y experiencias como del despojo cada vez más riguroso de lo accesorio, la búsqueda de una unidad de estilo en las obras del espíritu. Era necesario obtener de y dar al mundo una visión sobre todo armoniosa, aunque no necesariamente serena, esto es, abandonar voluntariamente un cierto número de matices, de curiosidades, de posibilidades, para representar el enigma humano en su delgadez esencial.
Esta definición permite pensar que la tragedia es la más perfecta y difícil expresión de la cultura de un pueblo, es la más rara, pues no existe en estado espontáneo: se crea con sufrimiento y arte; presupone de parte del pueblo una cultura profunda, una comunión de estilo entre la vida y el arte. Lo propio del héroe trágico es que mantiene en sí, tanto más por cuanto que es gratuito, “el ilustre encarnizamiento de no ser vencido”

ROLAND BARTHES

"SÍMBOLOS Y SONÁMBULOS"

2009-12-12T03:54:00.000-08:00

Colección de 49 obras realizadas desde la emotividad. Es el fragmento de una confesión que intenta plasmar el sentimiento y estados de ánimo de muchas personas que coexisten entre la frivolidad y conveniencias sociales.
Habla de la tristeza, de la sensación de soledad y la falta de entusiasmo que el hombre de hoy sufre por una pérdida de expectativas, frustraciones y desencanto. Por los deseos no alcanzados, por cotas marcadas y generadas por ese afán competitivo que nuestra sociedad impone. La pérdida de una estabilidad laboral, los accidentes de tráfico y laborales, las traiciones originadas por el afán de lucro, etc., inducen a estados de enajenación mental y a una falta de entusiasmo por la vida que los convierte en Sonámbulos, personas que aún llevando una vida aparentemente normal, ya están muertos en su interior porque han perdido la ilusión de vivir.
Plasmar esta realidad, que en principio puede parecer una concepción trágica y desalentadora del hombre y del mundo moderno, propone una vía de esperanza: El viaje al interior en una búsqueda de la identidad a través de lo místico, el único camino posible, el retorno del ser a su esencia, proponiendo actitudes capaces de redimirse de las miserias cotidianas y sentirse libres de ataduras de la razón que harán innecesaria la experiencia sensible ordinaria.

Consideración formal.
El arte es también un instrumento de poder, y la industria cultural es la más refinada forma de dominación al servicio de la opresión. (Gerard Vilard)
Sé lo que se lleva, sé lo que gusta, pero también sé que una obra es tanto más verdadera y convincente cuanto más se refleja el autor en ella.
Esta concepción del arte que es también vocacional y temperamental me libera del servilismo artístico de las tendencias actuales y me permite desde la libertad y autonomía ser combativo y desafiante a la estética predominante de la amabilidad. Lo planteo como siempre, desde el riesgo estético y desde la disidencia más absoluta.
Gran parte de la banalidad fotográfica que se produce deliberadamente o no y que se promociona, no es otra cosa que la falta de criterio y el gusto snob por las new sensations extranjeras.

Proceso de Transformación aparente y la Estética de lo aleatorio.
Esta metodología de trabajo que en un principio se podría pensar que solamente concierne a un aspecto puramente técnico no es así, no sólo afecta a la apariencia formal, sino que además es la base de un contenido filosófico y conceptual.
El acercamiento a este trabajo ha de hacerse a partir de un concepto de ruptura, de un intento de separación de las tendencias dominantes y modas.
Es una forma de concepción de la fotografía, que se orienta conscientemente contra los códigos de representación actuales y que se propone evidenciar una retórica de lo realista, que no supone ningún avance ni aportación por la facilidad y simpleza que la cibernética nos ofrece.
No se trata de un método de trabajo basado en procesos antiguos de blanqueos parciales, oxidación o solarizaciones ya realizados por otros autores. Se trata literalmente de escribir con la luz, de fomentar la aparición de acontecimientos fortuitos desde la propia esencia fotográfica.
La exploración de lo aleatorio y el promover, deliberadamente, condiciones que favorecen el azar y efectos caprichosos, nos conducen irremediablemente a una nueva dimensión creativa. Nos liberamos en gran medida* de referentes imitativos para entrar de lleno en un proceso creativo autónomo. Al partir de una premisa metafísica como es “lo aleatorio” estamos hablando de acontecimientos fortuitos e inesperados que, necesariamente, manifiestan el interior del ser y por tanto expresan parámetros desconocidos de la personalidad misma del que se compromete en su ontología.
Lo fortuito existe y nos favorece creativamente porque tenemos una intención, un proyecto; el azar nos ayuda de manera inesperada para alcanzar nuestro objetivo: el proyecto deseado. Llamamos fortuito o aleatorio a lo que nos impide o ayuda de forma sorpresiva, llegar a lo que intuitivamente vamos buscando.
La intencionalidad de una acción, un trazo, una pincelada de revelador, etc, se mueve en un orden físico, pero implica una actitud emocional consciente y de creación misma. Llamamos aleatorio a una serie de acontecimientos que permiten manifestaciones de otro orden. Somos sensibles a este orden porque previamente ya estábamos comprometidos y nuestro estado de acuidad mental era el adecuado. Dicho de otra manera, nuestra acción gestual, la impronta de ese preciso momento, manifiesta una realidad desde un punto de vista o plano desconocido, pero incuestionablemente nuestro.
De este modo, la creatividad se plantea como búsqueda y recurso de nuestra propia experiencia y una afirmación de acciones íntimas subconscientes. Esta perspectiva de lo inconsciente, la impronta del gesto, es lo que se escapa del dominio técnico y genera, mediante la improvisación, una expresión personal y esencial de nuestra identidad.

JAM MONTOYA

(*) Es en gran medida, por que si llegáramos a la abstracción pura, que además sería mucho mas elemental, perderíamos automáticamente, el referente de lo fotográfico, o sea, la esencia de su cualidad ontológica.

I CONCILIO ATEO INTERNACIONAL

2008-02-10T04:33:00.000-08:00

Bajo el título "El desafio de los fundamentalismos" se celebró en la sede del Círculo de Arte de Toledo el I Concilio Ateo durante el mes de diciembre.
Al mismo fueron invitados un nutrido grupo de artistas e intelectuales de renombre internacional interesados en poner en evidencia y denunciar los continuados y cada vez más peligrosos intentos de la Iglesia Católica por dirigir la vida social, cultural y política de los ciudadanos.
Entre los ponentes se encontraban personalidades tan relevantes como Gonzalo Puente Ojea, antiguo embajador de España en el Vaticano, Jocelyn Bézecourt, relevante astrofísico, Víctor Alarcón Viudes, filósofo y antropólogo, Anita Werner, portavoz de la Bund gegen Anpassung (Alianza contra el Conformismo), Jam Montoya, fotógrafo, o el conocido actor Leo Bassi, entre otros.
Durante tres días consecutivos pudimos asistir a una serie de ponencias y actuaciones de gran calidad intelectual y artística, donde el punto nodal era el oscutantismo que la Iglesia Católica manifesta en ámbitos como la filosofía, biología, astrofísica, antropología o arte.
Dicho Concilio tuvo sus pormenores puesto que en primera instancia fue PROHIBIDO por el ayuntamiento supuestamente progresista de Toledo, dirigido clarísimamente por las indicaciones del amo CAÑIZARES, él argumentaba fundamentalmente que el blasfemo Montoya no podía bajo ninguna circunstancia exponer sus fotos en ningún recinto toledado, haciendo clara gala de su más absoluta dependencia mental de los rancios tiempos de la Santísima Inqusición y la sumisión del poder temporal al espiritual aún en el siglo XXI.
Finalmente, una vez superadas semejantes estupideces, pudo celebrarse el Concilio, curiosamente en un centro que fue sede de la Inquisición.
La interesante ponencia "Libertad de represión" presentada por Jam Montoya, puso de manifiesto hasta qué punto ni siquiera el arte no es libre, sino que tiene que supeditarse solapadamente a intereses de todo tipo, fundamentalmente políticos y económicos, y cómo no, religiosos.

LA REVISTA ALEMANA KETZERBRIEFE RECOGE LA OBRA DE MONTOYA

2007-09-10T08:57:00.000-07:00

La prestigiosa revista alemana Ketzerbriefe (Cartas Heréticas) editada por la Bund gegen Anpassung (Alianza contra el conformismo), ha dedicado su número 141 correspondiente a los meses de septiembre/octubre a publicar una amplia entrevista sobre la censura y el ultraje a la libertad de expresión realizada en España con las fotografías de Montoya.

El extenso artículo titulado "Caso de censura Montoya: en tiempos de Man Ray Europa fue mejor" firmado por Anita Werner recoge los hechos ocurridos durante los meses en que sucedió semejante intento de represión por parte de los grupos más radicales así como una selección de las fotografías objeto de la polémica.